Lo supimos hace un mes, pero hoy tenemos más detalles, en los que la minuciosidad de Hayao Miyazaki vuelve a quedar patente: su nuevo corto, por primera vez realizado enteramente con técnicas por ordenador, tardará 3 años en completarse. Y solo dura 10 minutos. Y aún peor: solo se podrá ver en el Museo Ghibli de Mitaka, en Tokio. Pero al menos volverá a hacer animación, lo que siempre será una buena noticia.

Gorô Miyazaki, hijo de Hayao, y director de las películas Cuentos de Terramar (2006) y La colina de las amapolas (2011); y la reciente serie Ronja, la hija del bandolero (2014), confirmó el pasado 16 de junio en una charla de presentación de un libro del también ex-miembro de Studio Ghibli, Nobuo Kawakami, que su padre trabajaba en un cortometraje para el Museo Ghibli. Lo que más sorprendió es que la técnica que estaba utilizando era el de animación CGI (generada por ordenador), algo a lo que siempre ha sido reacio Hayao Miyazaki pero que, o bien por experimentación con la técnica, o por reducir costes en una época de crisis para Studio Ghibli, finalmente ha accedido a realizarlo de este modo.

Eso no quiere decir que vaya a ser una animación 3D a la que estamos acostumbrados, ya antes en Ghibli se han hecho dos películas completamente por ordenador, pero que se fusionaban con las técnicas artesanales, como Mis vecinos los Yamada (1999) y El cuento de la Princesa Kaguya (2013), ambas de Isao Takahata, así como varios anuncios publicitarios. Es de esperar, por tanto, que Miyazaki utilice la animación por ordenador para llevar a cabo un estilo tradicional. Lo contrario sería una auténtica sorpresa, siendo un hombre que se ha mantenido fuertemente fiel a sus principios con bastante vehemencia.

Ayer mismo, en una conferencia, el productor y co-fundador de Ghibli, Toshio Suzuki, habló también sobre este nuevo trabajo del director tras su retirada de la realización de largometrajes. "Ahora, Hayao Miyazaki está tratando de hacer un corto con CG para el Museo Ghibli" ha declarado. Gorô ya dijo que su padre "se aburre cuando su objetivo solo es mantener el Museo Ghibli, por lo que necesita cosas que hacer".

El propio Miyazaki ya comentó en su día, de manera muy pesimista, que la animación tradicional estaba muriendo en favor del ordenador. Ahora es él mismo el que va a trabajar con esa tecnología a la que se ha resistido durante mucho tiempo. Y es que adaptarse a los cambios es bueno, pero jamás debería significar la desaparición de una técnica absolutamente necesaria y artísticamente vigente como es la animación hecha a mano.

El mundo está repleto de diamantes en bruto, en cuyo interior hay pequeñas piedras preciosas de valor incalculable. Solamente hay que tratar de pulirlas y, con el tiempo, estas mostrarán al mundo toda su belleza y potencial. Esta es, por lo menos, la filosofía del abuelo de Seiji Amasawa, un sabio artesano que repara relojes en una pequeña pero mágica tienda en un lugar cualquiera, con la paciencia y el tesón que solo la experiencia y la vejez son capaces de valorar con suficiente perspectiva.

Pero tras esa humildad y devoción reparando relojes y otros objetos artesanales, no solo el esplendor de esas obras de arte pueden ser el único consuelo del artista, del artesano. Es exactamente igual de importante transmitir esos conocimientos y esa filosofía del trabajo duro pero gratificante a las mentes más jóvenes, a los diamantes aún por pulir. Esa es, realmente, la base de Susurros del corazón, la película del Studio Ghibli que hoy cumple 20 años desde su estreno, un 15 de julio de 1995.

Es la historia de todos los jóvenes soñadores, y de los que aún no saben qué es lo que realmente deberían soñar poder hacer. Es la historia de cada adolescente de ayer, de hoy, y del futuro, en esa etapa de nuestra vida en la que aún no se es un adulto y se siguen haciendo chiquilladas e ingenuidades, pero en la que ya tampoco se es un niño y ya se empiezan a vislumbrar ciertas responsabilidades y, con lo cual, hay tendencia a cometer errores. Es la historia de cada gran artista de la historia que comenzó a muy temprana edad a desarrollar su talento o por lo menos buscarlo para poder llegar a lo que es hoy en día. Es la historia del que ya lo fue en su momento y, echando la vista atrás, se da cuenta de sus aciertos y sus errores. Y entre esos errores está, inevitablemente, el de las promesas incumplidas.

El Barón, ese ser enigmático que resulta ser el tesoro del abuelo de Seiji, no lo es solo por su innegable belleza artística. Lo es porque representa, en su totalidad, la vida de su dueño, lo mejor y lo peor que ha dado al mundo. Esa figura altiva y de mirada serena y enigmática es la personificación, en forma de gato antropomorfo, de la esperanza por el reencuentro, del triunfo del amor, de los corazones separados que al final acaban unidos por algo muy profundo.

Pero también representa la incómoda realidad de las promesas incumplidas, de esos dos amantes que, en aquel viaje a Alemania, no volvieron a reencontrarse por culpa de la guerra y permanecerán separados, quizá para siempre. Es una realidad desoladora y triste, pero el abuelo de Seiji, entre siestas tras el duro trabajo, sueña con el día en que finalmente la promesa se cumplirá y el Barón y su prometida vivirán felices, sin que las vicisitudes del destino ni el pertenecer a mundos diferentes (como el rey de los enanos y la princesa-oveja de la historia del reloj) pueda impedirlo.

Y quién le puede culpar... tanto si se empieza a ser artista en la carrera de la vida como si se es una persona anciana que lo ha vivido ya todo, nunca es tarde ni innecesario soñar con lo que se anhela. Por suerte, un diamante en bruto que aún no sabe que lo es llamado Shizuku Tsukishima un día, por casualidad, entre lo mundano y lo cotidiano, se cruzará con su tienda gracias a su decisión de, aunque solo sea por una vez, no seguir la rutina y cometer la ingenuidad de seguir a cierto gato llamado Moon.

Incluso Moon es un personaje valioso en la película. Más allá de ser un gato antipático que se dedica a molestar a los perros del barrio, es quien desencadena realmente la serie de acontecimientos que harán que Shizuku conozca la tienda artesanal y al abuelo de Seiji. De no ser por un simple gato, Shizuku seguramente habría tenido la vida de una adolescente mediocre incapaz de valorar su potencial interior. Pero no fue así. Desde el primer momento de la película, con ese misterioso nombre de "Seiji Amasawa" acaparando todos los libros que Shizuku lee en la biblioteca, hasta que Moon entra en la misteriosa tienda, como si de un portal a un nuevo mundo se tratase (y, de hecho, así lo percibe ella antes de entrar al taller de luthier de Seiji), estaba claro que Shizuku estaba siendo llamada a conocerse mejor a sí misma y hacer algo grande.

Pero no era el "destino", pues ese término es demasiado ambiguo y poco profundo para definir la película. En ese sentido, es inevitable recordar la ya famosa frase de uno de los principales artífices de la película (Hayao Miyazaki, por supuesto), quien dijo una vez: "Me gusta la expresión "posibilidades perdidas". Nacer significa estar obligado a elegir una época, un lugar y una vida. Existir aquí, ahora, significa perder la posibilidad de ser otras innumerables personalidades potenciales". Es un punto de vista interesante que pudo influenciar en su momento al desarrollo del guion de la película. Lo que está claro es que el abuelo de Seiji es feliz y ve como una oportunidad el continuar su legado filosófico en dos mentes jóvenes y despiertas aún por pulir: su nieto Seiji, aprendiz de luthier, y la futura aprendiz de escritora Shizuku.

El director de la película fue Yoshifumi Kondô, genio detrás de algunas de las primeras películas de Ghibli que, con Susurros del corazón, debutaba por primera y última vez como director. Nunca sabremos cómo se habría desarrollado su carrera o ni tan siquiera si hubiese superado a los mismísimos Miyazaki y Takahata, pues falleció de un aneurisma en 1998, tras la durísima producción de La Princesa Mononoke. Una triste pérdida demasiado temprana para el cine de animación japonés tan solo comparable con la del genial Satoshi Kon en 2010. Ambos tenían una carrera muy larga y fructífera por delante y muchas historias que contar al mundo con sus enormes talentos.

Pero la muerte impidió que continuasen. Por eso es importante seguir adelante cuando se trata del arte o de cualquier modo de superarnos a nosotros mismos. No es tan importante llegar a una hipotética meta en la vida y envejecer con mucha experiencia como el abuelo de Seiji (aunque eso también resulte, en cierta manera, gratificante) como el hecho de empezar desde ya a ser Seiji o Shizuku, vivir el momento y comenzar el camino cuando aún se está a tiempo.

Como ya dije en su momento, siempre habrá jóvenes que no tengan ambiciones de salvar al mundo, como los héroes de muchas películas, pero que se encuentren de frente con el mayor reto de sus vidas, la madurez, un proceso por el cual todos hemos pasado (o pasaremos) y que no hay que menospreciar, pues puede resultar extremadamente difícil, pero siempre nos quedará el apoyo incondicional (que no salvamento) de nuestros más fieles seres queridos para afrontar ese gran reto y convertirnos en adultos.

Y algunos de esos jóvenes querrán madurar y hacerse personas completas a través del arte, siguiendo los pasos de terceros con admiración, ya sea fabricando y tocando violines, traduciendo canciones extranjeras, reparando relojes antiguos, escribiendo libros sobre gatos llamados Humbert Von Jikkingen, o de cualquier otra forma. Pero hay que hacerlo, tomar la iniciativa y no irse por los laureles. De lo contrario luego, quizá, sea demasiado tarde. Todos los artistas que admira la persona que esté leyendo este artículo empezaron siendo diamantes en bruto, solo necesitaron creer en sí mismos y conocer a la gente adecuada para demostrar su valía, y mejor tarde que nunca. Yoshifumi Kondô, al igual que Hayao Miyazaki o cualquier otro artista, trabajó muy duro para llegar hasta donde llegó, y aunque la muerte le impidió continuar, la meta que alcanzó, ya es de por sí brillante e inigualable: una sola película debut que ha acabado convirtiéndose en posiblemente la mejor de Ghibli no dirigida por Miyazaki ni Takahata.

Lo más fascinante de la película, aparte del obvio mensaje de superación personal que se saca de ella, es la afición que ha suscitado por sí sola sin ser dirigida por el omnipresente Hayao Miyazaki. En lo personal, creo que una de las claves del éxito que tuvo Susurros del corazón y de que este siga aún vigente, 20 años después de su estreno, es el contar una historia totalmente costumbrista pero de un modo mágico, 100% genuinamente Ghibli. Por mucho que podamos empatizar con unas niñas que conozcan a un ser mágico llamado Totoro o con un joven guerrero que desea liberar al Espíritu del Bosque, son historias de fantasía que se alejan de nuestro entorno, y es mucho más sencillo ponernos en la piel de Shizuku, la estudiante de secundaria que busca desesperadamente un hueco en el mundo de los soñadores, o de Seiji, que ya sabe lo que quiere hacer pero le falta experiencia.

Más que con la heroína que pulula el Bosque de Putrefacción en un mundo post-apocalítpico, es mucho más sencillo empatizar con la jovencita enamorada de un chico de su clase, o con la que se ha propuesto a sí misma leer 20 libros en un verano, o con el jugador de béisbol que sorprende con una inesperada confesión de amor, con la hermana mayor que al fin un buen día decide independizarse e irse a vivir sola, con la madre que ha decidido en edad madura ser estudiante para auto-exigirse un compromiso, o incluso con algo tan mundano como los jóvenes que hacen tonterías en clase y hacen "chinchar" a una compañera (aunque no siempre sea con maldad, sino muchas veces desde la confianza).

Es increíble la cantidad de escenas bonitas de esta película que podrían haber sido una pastelada empalagosa y cursi, pero que en su lugar optan por narrar la historia alejándose de clichés, melodramas y sentimentalismo barato, y prefieren mostrar personajes auténticos, honestos, tiernos y sinceros. En otras palabras, personajes totalmente Ghibli. Podría considerarse una película de "fantasía" en la medida en que parece que hoy día por desgracia ningún joven de la edad de Shizuku parece mostrar interés por ir a la biblioteca a leer libros, o escribir y traducir canciones como se solía hacer antes. Susurros del corazón es realismo mágico en estado puro.

Desde las escenas que entremezclan los mundos oníricos pintados por Naohisa Inoue con el trepidante correr por las escaleras de Shizuku en dirección hacia la ciudad y hacia sus sueños, hasta esa entrañable y famosísima escena de Seiji tocando con el violín "Country Roads" mientras Shizuku canta ruborizada la letra que ella misma ha compuesto, y se unen el abuelo y sus compañeros músicos. Estoy seguro de que, al igual que a mí me pasa, esas están entre las escenas preferidas de muchos fans de Ghibli. Son sencillamente mágicas, y no les sobra ni les falta nada. Ese realismo mágico, que posteriormente se vislumbraría en otras escenas míticas de Ghibli como el silencioso viaje en tren de Chihiro, es el tipo de sentimiento que hoy en día escasea mucho en el cine, y que hace falta recuperar.

Esto no es una exageración: en más de una ocasión, cuando la fuerza de voluntad escaseaba y dejaba de vislumbrar un horizonte de esperanza para mi futuro a nivel profesional y personal, mi medicina ha sido esta película. Pienso, con total sinceridad, que es una de las mejores películas de superación personal, ya no de Ghibli, sino del cine moderno en general. Especialmente para quienes somos jóvenes, pero a cualquier edad, es bueno recordarnos, una vez más, que nuestras vidas no son insignificantes sino que vale la pena luchar por encontrar la piedra preciosa que se encuentra en nuestro interior y brilla con la misma intensidad que la mirada del Barón.

Shizuku lo tuvo claro, y por eso defendió su obra, "Susurros del corazón: la historia que me contó el Barón". Esa historia que escribió sobre la búsqueda del lapislázuli y las piedras preciosas (intercambiables en la vida real por otras fuentes de inspiración igual de respetables) es como esta película: quizá no sea perfecta, pero como toda relación que merece la pena, es inevitable enamorarnos de ella y rendirnos frente a su belleza. Y aunque no sea perfecta, como no lo es nunca el primer trabajo de un artista, siempre hay tiempo para pulirla. 20 años después, y por mucho tiempo más, Shizuku, Seiji y su abuelo, nos lo seguirán recordando.

El viaje de Chihiro acaba de cumplir 14 años desde su estreno el 20 de julio de 2001, y aunque ha llovido mucho desde entonces, no han dejado de proliferar los cada vez más elaborados dibujos sobre sus personajes, sobre todo de la inspiradora historia de sus protagonistas, Chihiro y Haku.

Estos son 10 fan art imprescindibles de El viaje de Chihiro ^^

10

9

8

7

6

5

4

3

2

1

Últimamente estamos viendo que Studio Ghibli, o sus ex-trabajadores, se están prodigando más que nunca en la creación de anuncios publicitarios con su sello de calidad característico. Pero no es algo ni mucho menos nuevo: hace años que Ghibli colabora en la elaboración de campañas para diversos productos, algunas realmente pequeñas joyas. Un vídeo de MianaqYT ha reunido todos estos comerciales desde 1992 hasta la actualidad:

Por orden, estas son las entidades a las que pertenece cada pieza:

• Sora Iro no Tane
• Nandarou
• Hotaru No Haku
• Kinyou Roadshow Opening
• TVshop1
• Umacha
• Ghibli Museum Tickets
• LAWSON Sen to Chihiro no Kamikakushi
• House Foods – The Cat Returns
• Risona Bank
• O-uchi de Tabeyou
• KNB Yumedegi
• Yomiuri Shimbun
• Nisshin Seifun
• Taiko no Tasujin
• Slow Bread
• West Japan Railway 

Studio Ghibli es capaz de elevar a la categoría de arte incluso el anuncio de una panadería. Un lujo visual que merece la pena disfrutar :-)

Son 22 (si incluimos a Nausicaä) las películas que ha producido Studio Ghibli a lo largo de sus 30 años de historia. Es, por tanto, muy difícil alcanzar un consenso sobre cuál es su mejor película, porque cada uno tiene sus gustos y eso es lo bueno del cine y de las sensaciones que produce en cada persona.

Una buena forma de sacar una opinión medianamente consensuada sobre cómo se valoran las películas de Ghibli es acudir a la base de datos más grande del mundo del cine: IMDB. Allí, miles de usuarios cinéfilos (seguidores y no seguidores del estudio de animación) han votado y puntuado a lo largo de los años todos sus films. Y esta es la conclusión, en forma de ranking, que se puede sacar:

El debut del hijo de Hayao Miyazaki es una de las ovejas negras de la filmografía casi intachable de Studio Ghibli. Es de las que menos convencen, en general, y la que menos particularmente en IMDB. Aún así, aprueba correctamente con un 6,5 sobre 10.

Es una de las grandes olvidadas, incluso por el propio estudio, que siempre la ha tratado como una obra menor que una película al uso. Y si bien es cierto que no fue estrenada en cines y se emitió directamente en televisión, no es menos cierto que su trabajo es correcto. Valorada con un 7 sobre 10, aún así se queda en penúltima posición.

La última película de Studio Ghibli no ha levantado pasiones. Sufrió un poco brillante paso por las taquillas niponas y, en general, parece que se quedará a la cola entre las preferencias del público dentro de la filmografía de la compañía.

Otra de las obras menores del estudio, llegó a rebufo del enorme éxito de Chihiro un año antes y cumplió decentemente en taquilla, pero nunca ha sido considerada entre las destacables. Seguramente porque es demasiado corriente, algo que no se perdona dentro de un Studio Ghibli repleto de obras maestras.

Isao Takahata casi siempre ha sido un incomprendido, especialmente por el público occidental.Mis vecinos los Yamada ni siquiera gustó a los japoneses ( fue un fracaso en taquilla), así que es normal que tampoco genere gran interés fuera su país de origen. Eso no está reñido con que se la considere una película de cierto valor artístico en su mezcla de humor y cultura popular y familiar nipona.

El segundo intento de Gorô Miyazaki tuvo mejor aceptación de la crítica, pero aún así no se acerca a las preferidas por los espectadores.

Un éxito en Japón que cuesta bastante comprender al espectador medio occidental. De nuevo Takahata abrazó la idiosincrasia japonesa, fascinando a los que les gusta esta cultura; y siendo difícil de digerir por los profanos. Además, es una película con un argumento que no es ni abiertamente infantil, ni adulto. O la amas, o la odias.

Con Arrietty los espectadores dan un salto cualitativo, y ya las notas de las votaciones entran en el terreno (muy disputado) de las "grandes". El debut de Yonebayashi convenció, y pronto se convirtió en una de las más grandes obras menores del estudio para el público. Su repercusión internacional también ayudó.

La primera película de Hayao Miyazaki en aparecer en el ranking lo hace con un 7,7 sobre 10, y en base a esta votación, Ponyo sería la "menos buena" del director. No es de extrañar tampoco porque, aunque tuvo una difusión importante a nivel mundial y se ganó el aprecio de la crítica, su carácter tan abiertamente infantil no termina de cuajar en unos tiempos tan acomplejados por hacer verdadero cine para niños (ahora todo tiene que tener su connotación adulta para llevar al máximo número de personas al cine). Doble vara de medir.

El viaje introspectivo de Taeko y sus recuerdos, en una de las cintas de animación más intimistas y humanas que se han hecho, le han valido a Isao Takahata un reconocimiento importante, sobre todo entre los más cinéfilos, que ven aquí verdadero cine de autor, algo que parece reñido con la animación. Pero Takahata ha demostrado que eso no es así.

La despedida de Miyazaki era arriesgada, con una película sorprendente que se alejaba, de algún modo, de lo que nos tenía acostumbrados. Asumió así un gran riesgo para darse la satisfacción de hacer el film que realmente le apetecía para cerrar una trayectoria impecable. El viento se levanta gustó, sobre todo a la crítica especializada. Su puesto no es más alto porque, también es verdad, que a una parte del público habitual de Miyazaki no le llenó del todo. Aún así, un 7,8 sobre 10.

No es casualidad que Porco Rosso obtenga la misma nota que El viento se levanta. Ambas producciones tienen cosas en común, pero sobre todo, una clave: hablan del Miyazaki más personal, y no del más fantástico que tanto gusta. Porco Rosso es un clásico alabado por los expertos y por la gente que le gusta el cine en general. Lo que pasa es que el nivel del director es muy alto, y sus cintas con más fantasía han calado de forma más profunda en la opinión general.

Un escalón por encima nos encontramos con la historia de superación e independencia de la joven bruja Kiki. Esta película, aparentemente infantil y liviana, contiene una profunda lección de vida que el espectador sabe valorar. La mezcla de esos elementos de carisma, profundidad, momentos emblemáticos y cierto toque inocente, gustan.

A estas alturas, pocos se sorprenderán de que esta película costumbrista, no dirigida ni por Miyazaki ni por Takahata, se cuele entre las favoritas del público con un notable 8 sobre 10. Sigue sin ser de las más reconocidas de Studio Ghibli, pero prácticamente todo el que la ve queda prendado de ella. Eso ha hecho que, en los últimos años, el boca a boca haya corrido como la pólvora y haya sido visionada por mucha más gente. Su recknocimiento crece cada día, pese a haber cumplido ya los 20 años de su estreno. Su director Yoshifumi Kondô, ya fallecido, estaría orgulloso de la repercusión internacional de su primera y única película años después. 

La última película de Takahata le ha servido para reconciliarse con el público, que le tenía algo olvidado tras 14 años sin dirigir; y con algunas películas que no terminaban de apreciarse demasiado en su filmografía particular. Kaguya ha gustado, y mucho. Pese a experimentar con la animación, hacer una película pegada al folclore nipón más tradicional, y marcarse un récord de duración con casi dos horas y media de metraje, consigue un conjunto deslumbrante, que ha sorprendido a propios y extraños. Tanto que hasta Hollywood le dio, por primera vez, su bendición otorgándole la nominación al Oscar y dándole una proyección internacional que siempre se le había negado a un hombre fundamental en la historia de la animación japonesa, y mundial.

Los usuarios de IMDB desmontan el mito de que El castillo en el cielo es una película poco valorada de Miyazaki. Por su premisa de más acción y ligereza, se tiende a pensar que no cala tanto en los espectadores. Pero bien es cierto que su condición de gran clásico, la brillantez de su mundo creado, la belleza de su idea, su banda sonora... nunca es de las más recordadas, sin embargo, lo tiene todo.

Otro gran clásico de Miyazaki, y de la animación en general, que se alza con un muy alto 8,1 sobre 10. La gente siempre ha tenido en muy alta consideración la historia de ciencia-ficción post-apocalíptica que encumbró al director japonés a tener su propio estudio. Un argumento en defensa de la naturaleza que sigue más vigente que nunca.

En quinta posición, con un 8,2 sobre 10 de media en las votaciones, se alza El castillo ambulante, gracias a sus elementos de preciosismo visual, fantasía, magia, el magnetismo de su protagonista Howl, y su romance con Sophie. Una historia que cautiva y que siempre se ha posicionado como uno de los films favoritos de Studio Ghibli.

En cuarta posición, con un 8,3 sobre 10, Mi vecino Totoro es algo más que una película: es un icono de Studio Ghibli, de la animación y de la cultura popular japonesa. La película marcó la infancia de muchos, y su mensaje sencillo pero efectivo, con la naturaleza como trasfondo, han hecho que sea más que popular. Aunque puede que como película en sí no sea tan genial (siendo un magnífico largometraje), influyen muchos otros factores que van más allá de la simple calidad de la obra. Totoro es Totoro.

Un 8,4 sobre 10 para la tercera mejor película de Studio Ghibli, según los numerosos usuarios de IMDB. No hay discusión: La Princesa Mononoke es, sin duda, una de las mejores cintas de animación de la historia a todos los niveles. Para muchos, su favorita indiscutible.

Isao Takahata cuela en segunda posición a su film más emblemático, el que conmueve a todo el que lo ve. Es indiscutible que estamos ante una grandísima película. Además, es de las que han trascendido del típico espectador de cine de animación, para llegar a mucha gente que nunca hubiera pensado que unos mal llamados "dibujos animados" le pudieran contar de forma tan contundente una historia sobre la II Guerra Mundial.

Y en el primer puesto, con un gran 8,6 sobre 10, tenemos a El viaje de Chihiro. Es, probablemente, la película más importante de Studio Ghibli por muchos motivos, pero principalmente porque es única y difícilmente comparable a ninguna otra. La historia de superación y maduración de la malcriada Chihiro en un mundo mágico hostil, en el que la barrera entre buenos y malos se diluye, con personajes inolvidables como el Sin Cara, Bebé, Yubaba, Lin, Kamaji,... Y es que "nada de lo que sucede se olvida jamás, aunque tú no puedas recordarlo". 

Por suerte, El viaje de Chihiro siempre lo recordaremos.

Ahora que parece que Miyazaki se pasa a la animación CGI, le viene que ni pìntado este increíble vídeo hecho por un usuario de Vimeo llamado dono, que intercala de forma precisa espectaculares entornos del mundo de Studio Ghibli en 3D con animaciones tradicionales de sus películas, y la inigualable música de Joe Hisaishi. Pero lo hace de una manera nunca vista antes. Comprúebalo tú mism@, este es el vídeo. No te dejará indiferente:

Un vídeo muy trabajado, con un resultado genial. Enhorabuena a su autor :-)

Amazon ha listado, para el próximo 17 de noviembre, la llegada a Estados Unidos de la colección completa en Blu-ray de Hayao Miyazaki, a imagen y semejanza de otros packs similares que ya han salido, primero en Japón, y luego replicados en países como Alemania o Reino Unido.

El pack, aún sin precio confirmado y que distribuirá Disney, incluye:

• Los 11 largometrajes dirigidos por Hayao Miyazaki.  

• Yuki no Taiyo (El Sol de Yuki), un episodio piloto para televisión de 1972 basado en un manga de Tetsuya Chiba que fue dirigido, realizado el storyboard y animado por Hayao Miyazaki.  

• Episodios 26, 27 y 41 de la serie anime de 1972 Akado Suzunosuk (El pequeño samurái), con guiones gráficos de Miyazaki.  

• Versión completa y sin cortes de la conferencia de prensa en la que Miyazaki anunció su retirada. 

• Un libro llamado The Great Dichotomy: Looking at the Works of Hayao Miyazaki (La gran dicotomía: Una mirada a las obras de Hayao Miyazaki), escrito por Tomohiro Machiyama, que "explora los temas y las técnicas de este venerado cineasta japonés", y textos seleccionados por Hayao Miyazaki con notas iniciales y propuestas creativas para la producción de cada una de sus películas.

Completísimo.

______________________________________________________

• Visto en Ghibli-collector

Mi vecino Miyazaki

Studio Ghibli, la animación japonesa 

que lo cambió todo

Ya a la venta la 2ª edición del libro 

sobre Studio Ghibli de Generación GHIBLI

·   ·   ·

sigue en...

Twitter | Facebook | Pinterest | Google+ | YouTube

.

Después de la gran acogida que tuvieron las versiones de El viaje de Chihiro y Mi vecino Totoro reinventados con el característico estilo del director norteamericano Tim Burton, el artista Kaos nos trae una tercera entrega de su particular serie, esta vez con la película de Hayao Miyazaki El castillo ambulante.

Así vemos a un Howl cadavérico en su forma de pájaro sobre el castillo, acompañado por un Calcifer que nos recuerda al más puro estilo de las películas de Burton. Una vez más, la mezcla resulta sorprendente, llamativa, repleta de imaginación y que, desde luego, se nota que tiene una cuidada elaboración detrás. Como viene siendo habitual, podemos ver el proceso de cómo se realizó en primera persona, gracias al vídeo que ha elaborado:

Siempre original, si te gusta el trabajo de Kaos no olvides visitar sus canales de comunicación, como YouTube, donde muestra este y otros de sus trabajos :-)

Hoy, El castillo en el cielo cumple 29 años desde su estreno, el 2 de agosto de 1986. Fue la primera película de Hayao Miyazaki tras fundar Studio Ghibli. Por eso, vamos a celebrarlo con los fans, que se las han ingeniado de mil maneras posibles para realizar los más espectaculares cosplays de Sheeta, Pazu y compañía.

Estos son los 10 cosplays de El castillo en el cielo que no te puedes perder ^^

10

9

8

7

6

5

4

3

2

1

Todo el talento de la plantilla fija que trabajaba en Studio Ghibli tiene que buscarse un nuevo lugar donde realizar su labor, desde que hace un año el estudio de Miyazaki y Takahata decidiera prescindir de ellos y pausar la producción de nuevas películas. Algunos han empezado a trabajar de forma individual en diversos proyectos; y ahora varios de estos valiosos artistas se han unido para fundar Deho Gallery, un estudio encabezado por Hideaki Anno, Yoshiaki Nishimura y Nobuo Kawakami, acompañados de otros viejos conocidos de Studio Ghibli.

Hace tan solo unas semanas (oficialmente el 1 de julio, aunque se ha sabido este fin de semana) se fundaba Deho Gallery, un nuevo estudio que, según explican ellos mismos, estará especializado en el diseño de escenarios y en la dirección de arte a la manera tradicional en obras de animación, videojuegos y publicidad.

Deho Gallery nace de la mano del Studio Khara de Hideaki Anno (Evangelion), Dwango (productora de la serie de Gorô Miyazaki Ronja, la hija del bandolero) de Nobuo Kawakami, y Studio Ponoc, del último productor de Ghibli, Yoshiaki Nishimura. Once artistas provenientes de Studio Ghibli les acompañan en la aventura:

• Yumi Ishii (trabajó en 5 centímetros por segundo, de Makoto Shinkai; o en Summer Wars, Wolf Children y The boy and the beast, de Mamoru Hosoda. En Studio Ghibli participó en Arrietty, La colina de las amapolas, El viento se levanta y Cuando Marnie estuvo allí).

• Akane Iwakuma (participó en las dos películas de Gorô Miyazaki, Cuentos de Terramar y La colina de las amapolas; así como en The boy and the beast).

• Kinichi Okubo (trabajó en Ronja, la hija del bandolero; y en otras series como Tiger & Bunny o Trinity Seven).

• Ayumi Kugawa (participó en El cuento de la Princesa Kaguya y Cuando Marnie estuvo allí; así como en la serie Digimon Fusion).

• Tatsuya Kushida (fue director de arte en la serie de Hideaki Anno, Evangelion, y participó en La chica que saltaba a través del tiempo, de Mamoru Hosoda. Para Ghibli ha trabajado en El viento se levanta, El cuento de la Princesa Kaguya y Cuando Marnie estuvo allí).

• Tomotaka Kubo (trabajó en La colina de las amapolas, Kaguya, Marnie, Ronja la hija del bandolero; y Magic Tree House).

• Youhei Takamatsu (desde 2001 en Studio Ghibli, fue responsable de formación en Haru en el reino de los gatos, el corto Ghiblies 2, El castillo ambulante, Cuentos de Terramar, Ponyo, Arrietty, Kaguya, La colina de las amapolas y Marnie. Fue director de arte del corto del Museo Ghibli Hoshi o katta Hi; y co-director de arte de The boy and the beast, de Mamoru Hosoda).

• Satoko Nakamura (trabajó para Ghibli en Cuando Marnie estuvo allí, El cuento de la Princesa Kaguya, El viento se levanta o La colina de las amapolas. También ha participado en The boy and the beast y Tokyo Magnitude 8.0).

• Yoichi Nishikawa (se unió a Studio Ghibli en 2004 participando en El castillo ambulante, Cuentos de Terramar, Ponyo, Arrietty, La colina de las amapolas; y ha sido co-director de arte en la última película de Mamoru Hosoda, The boy and the beast).

• Kousuke Hayashi (trabajó en varias series de televisión, en la última película de Ghibli, Cuando Marnie estuvo allí, o en La isla de Giovanni y The boy and the Beast).

• Yoshikazu Fukutome (20 años en Studio Ghibli, trabajó en Susurros del corazón, La Princesa Mononoke, El viaje de Chihiro, El castillo ambulante o El viento se levanta).

Estarán asesorados por el mítico Kazuo Oga, director de arte y diseñador de escenarios de películas como Mi vecino Totoro, Porco Rosso, La Princesa Mononoke, El cuento de la Princesa Kaguya, etc.) y Yôji Takeshige (El viaje de Chihiro, La Princesa Mononoke, Mis vecinos los Yamada, El viento se levanta, etc.).

Su objetivo será, según declaran, defender y mantener el arte tradicional de dibujar los fondos con pincel y pintura en el futuro.

Un nuevo paso, y una nueva pista indirecta, sobre la situación actual de Studio Ghibli.

Hace unos días recopilaba una lista en la que, de alguna manera, se pudieran catalogar todas las películas de Studio Ghibli según la preferencia de los miles de usuarios de la web IMDB. Su marcada tendencia anglosajona nos daba una visión amplia pero parcial sobre los gustos de los espectadores. Hoy vamos a compararla con una lista que nos será mucho más cercana a los hispanohablantes, y es a través de la mayor base de datos de cine en español de internet, y toda una referencia: FilmAffinity.

Con sus más de 500.000 usuarios y una comunidad tremendamente activa, FilmAffinity es una web creada en España que todo buen cinéfilo hispanohablante usa para tener su propio diario del cine, donde poder votar las películas que ve, escribir críticas y compartir su pasión gracias a las características de red social que posee, siempre en base a los gustos cinematográficos de sus usuarios.

Este es el ranking de películas de Studio Ghibli votadas por miles de usuarios en FilmAffinity, en comparación con el de IMDB:

Con 1.001 votos, la única película para televisión de Ghibli se queda en última posición. En el listado de IMDB quedaba penúltima (puesto 21) con una nota media de 7.0 sobre 10.

Con 3.803 votos, el debut del hijo de Hayao Miyazaki no corre mucha mejor suerte, y empata con la última, aunque con más votos. En el listado de IMDB quedaba última (puesto 22) con una nota media de 6.5 sobre 10.

Con 2.734 votos, la única película de Morita para Studio Ghibli empeora incluso su posición. En el listado de IMDB quedaba en el puesto 19 de 22, con una nota media de 7.3 sobre 10.

Con 1.074 votos, la cinta cómica de Isao Takahata también baja un peldaño. En el listado de IMDB quedaba en el puesto 18 de 22, con una nota media de 7.3 sobre 10.

Con 988 votos (la segunda menos votada, sin duda por no estar editada en España), el intento de consagración de Gorô Miyazaki desciende un puesto. En el listado de IMDB quedaba en el puesto 17 de 22, con una nota media de 7.4 sobre 10.

Con 1.914 votos, el alegato ecologista de Takahata también sigue el orden de la web americana, solo un puesto por debajo. En el listado de IMDB quedaba en el puesto 16 de 22, con una nota media de 7.4 sobre 10.

Con 6.342 votos, nos encontramos la primera gran sorpresa de los gustos hispanos respecto a los anglosajones: la aventura de la pequeña bruja Kiki gusta bastante menos y se posiciona como el film menos valorado de Hayao Miyazaki (en el otro ranking era Ponyo). En el listado de IMDB quedaba en el puesto 10 de 22, con una nota media de 7.9 sobre 10.

Con 1.275 votos, la intimista película de Isao Takahata cae dos posiciones. En el listado de IMDB quedaba en el puesto 13 de 22, con una nota media de 7.7 sobre 10.

Con 5.597 votos, el primer film de Hiromasa Yonebayashi parece gustar un poco más y se supera en una posición. En el listado de IMDB quedaba en el puesto 15 de 22, con una nota media de 7.7 sobre 10.

Con 8.319 votos, la despedida de Hayao Miyazaki tampoco es de las favoritas para los espectadores dentro de su filmografía. En el listado de IMDB quedaba en el puesto 12 de 22, con una nota media de 7.8 sobre 10.

Con 274 votos (con diferencia la menos votada, por no estar editada y ser la más reciente), la última película de Studio Ghibli sube hasta ocho puestos, aunque en IMDB ya había sufrido un importante ascenso después de recopilar los datos para el ranking que hice aquí. En el listado de IMDB quedaba en el puesto 20 de 22, con una nota media de 7.2 sobre 10.

Con 2.943 votos, la película costumbrista que sigue las andanzas de los adolescentes Shizuku y Seiji, gusta algo menos y pierde dos posiciones. En el listado de IMDB quedaba en el puesto 9 de 22, con una nota media de 8.0 sobre 10.

Con 16.316 votos, Ponyo gusta notablemente más a los hispanohablantes, siendo una de las principales diferencias respecto a la otra votación. Está hasta cuatro puestos por encima. En el listado de IMDB quedaba en el puesto 14 de 22, con una nota media de 7.7 sobre 10.

Con 17.271 votos, el anárquico cerdo aviador de Miyazaki queda dos lugares por encima. En el listado de IMDB quedaba en el puesto 11 de 22, con una nota media de 7.8 sobre 10.

Con 9.340 votos, la primera película de Hayao Miyazaki tras fundar Studio Ghibli sigue conservando su legado de clásico. En el listado de IMDB quedaba en el puesto 7 de 22, con una nota media de 8.1 sobre 10.

Con 1.433 votos, Takahata coloca su último film entre los favoritos de los espectadores en relativamente poco tiempo. Para los votantes de FilmAffinity, un puesto por encima. En el listado de IMDB quedaba en el puesto 8 de 22, con una nota media de 8.1 sobre 10.

Con 13.461 votos, la heroína clásica de Miyazaki tiene muchos adeptos, los mismos en un sitio y en otro. Repite posición. En el listado de IMDB quedaba en el puesto 6 de 22, con una nota media de 8.1 sobre 10.

Con 30.743 votos, el mítico icono de Studio Ghibli sigue siendo de los preferidos por el público. En el listado de IMDB quedaba en el puesto 4 de 22, con una nota media de 8.3 sobre 10.

Con 44.504 votos, el film nominado al Oscar que levanta tantas pasiones más de una década después de su estreno, sube un lugar. En el listado de IMDB quedaba en el puesto 5 de 22, con una nota media de 8.2 sobre 10.

Con 52.294 votos, la segunda película más votada de toda la filmografía de Ghibli, repite en el pódium. En el listado de IMDB quedaba en el puesto 3 de 22, con una nota media de 8.4 sobre 10.

Con 25.255 votos, Isao Takahata vuelve a coronarse en segunda posición con su drama sobre la supervivencia de Seita y Setsuko bajo las bombas en la II Guerra Mundial. En el listado de IMDB quedaba en el puesto 2 de 22, con una nota media de 8.5 sobre 10.

Con 89.637 votos, no hay ninguna duda: El viaje de Chihiro es la película favorita de los espectadores de Studio Ghibli y, con enorme diferencia, la más votada. Esto le permite el primer lugar pese al empate técnico con La tumba de las luciérnagas. La ganadora del Oso de Oro de Berlín y el Oscar de Hollywood sigue siendo, 14 años después de su estreno, el largometraje más conocido (y reconocido) de Hayao Miyazaki y de Ghibli. En el listado de IMDB también quedaba en el primer puesto, con una nota media de 8.6 sobre 10.

Las conclusiones de esta comparativa os las dejo a vosotros. Pero hay unas cuantas :-)

Nausicaä del Valle del Viento es una película que hizo historia con su estreno en 1984, y fue una revolución entre los jóvenes que disfrutaron de este relato naturalista postapocalíptico realizado por Hayao Miyazaki, con su estilo único e inconfundible que asentaría posteriormente en Studio Ghibli. De hecho, la película permitió su fundación.

En los cines japoneses es habitual que te entreguen un folleto con información de la película que vas a ver. En el caso de Nausicaä se convierte en un documento histórico para los aficionados, que aquí podéis ver al completo gracias a Anim'Archive:

Todo un objeto de coleccionista que, si al menos no podemos tenerlo en las manos, sí le podemos echar un vistazo tal cual fue presentado en su día :-)

Hay cosplays y cosplays. Uno de los más bonitos que se han visto últimamente es este de nadie1106, una usuaria de DeviantArt de la que poco más se sabe que es de Vietnam. Aunque su cosplay de El viaje de Chihiro, con unas fotos preciosas y una bonita caracterización de los protagonistas Haku y Chihiro, ya habla por sí solo:

Recientemente, en el programa Professional, de la cadena japonesa NHK, dedicado a la producción de la última película de Mamoru Hosoda, The Boy and the Beast (Bakemono no Ko), el director se refirió a las circunstancias de su desplazamiento de la realización de El castillo ambulante para Studio Ghibli, film que finalmente dirigiría con gran éxito Hayao Miyazaki. Esto contaba el documental:

Con su padre ausente, Mamoru Hosoda fue criado por su madre. De niño, tenía mucho miedo a expresarse por sí mismo, acomplejado por su tartamudeo (aún le queda alguna secuela). A causa de ello, fue inscrito en una clase especial. Un día, su madre lo llevó a ver El castillo de Cagliostro (1979) de Hayao Miyazaki. Salió muy emocionado por la película y, desde entonces, comenzó su sueño de ser director en el futuro.

Con sus estudios universitarios terminados, presentó su candidatura para unirse al equipo de formación de Studio Ghibli, pero fue rechazado.

En el programa, Hosoda muestra a la cámara lo que considera su "tesoro", que guarda celosamente en su casa: la famosa carta de rechazo de Studio Ghibli. Sin embargo, cuando la recibió, su primera reacción fue de aprecio (no obstante, estaba firmada por el mismísimo Miyazaki). Era alentadora y le animaba a perseverar. En aquella época, no pensaba cruzarse en el camino de Miyazaki, y aún menos en el de Studio Ghibli.

Pero le resultó imposible olvidar su sueño de realizar largometrajes de animación, por lo que se unió a Toei. Durante nueve años trabajó para ser reconocido. Fue con la OVA Digimon Adventure (1999) con la que atrajo finalmente la atención sobre él. Fue entonces cuando recibió una llamada inesperada de Ghibli ofreciéndole la realización de un largometraje en preparación: El castillo ambulante.

Emocionado, pero bastante seguro de sí mismo, se presentó en Studio Ghibli y comenzó a trabajar en el guion de la película. Pero la novela del mismo nombre era compleja para su adaptación. Tenía dificultades para comenzar las primeras secuencias del guion, y cometió el error de no pedir ayuda a nadie.

"Tenía una confianza en mí mismo un poco exagerada. Pensándolo bien ahora, yo podía quizás haber pedido consejo a Miyazaki o Takahata. Pero tampoco quería ser dirigido demasiado por ellos", declara Hosoda.

Cada vez más solo y encerrado en sí mismo, ocho meses más tarde, el storyboard no había avanzado nada y se encontraba entre la espada y la pared. El productor en aquel momento, le convocó y le dijo: "Hosoda-kun, no podemos seguir así". Era el 21 de abril de 2002.

"¿Se acuerda bien de ese día?", le pregunta el periodista. "Sí, pensé que me sería imposible recuperar y mantener la confianza de nadie como director."

En efecto, sus dificultades no habían terminado. Vuelve a Toei, donde sus proyectos son rechazados. En el mundo de la animación se empezó a oír: "Hosoda está acabado".

Su madre, su principal apoyo, cayó enferma. Él dudó entonces si regresar a su región natal para ocuparse de ella o perseverar en el mundo de la animación. Eligió permanecer fiel a su sueño de niño: siempre pensando en su madre, él siguió trabajando en series de televisión y desarrollaba en paralelo otros proyectos, sin tener mucha esperanza de que se convirtieran en realidad.

Finalmente, tres años después, el productor Masao Maruyama del estudio Madhouse, seducido por la calidad de un episodio suyo (el número 40) de la serie Magical DoReMi, le propone la realización de un proyecto de largometraje: Cruzando el tiempo.

Sorprendido por esta propuesta, Hosoda decidió dejarlo todo para dedicarse a este proyecto. Salió de Toei, para la que trabajó durante 14 años, y no quiso oír hablar de un "plan B" en caso de no tener éxito.

Este ya no sería el mismo Hosoda que abordaba un nuevo largometraje. Esta vez, sabría pedir consejo de sus colaboradores, dejando de lado su estúpido orgullo.

Mamoru Hosoda triunfaría con el estreno en 2006 de La chica que saltaba a través del tiempo, lo que le permitió continuar su carrera lanzando en 2009 Summer Wars, que resultó otro éxito de crítica y público. Su nombre empezó a ser muy conocido y valorado, consagrándose definitivamente con su tercera película, Wolf Children, en 2012. Su progresión y evolución no se han detenido, y a sus 47 años es uno de los nombres más importantes de la animación japonesa actual.

Hosoda confiesa que las expectativas del público japonés nunca habían sido tan altas para una de sus películas como la recién estrenada (el 11 de julio en Japón, con gran éxito) The Boy and the Beast, especialmente desde el anuncio de retirada de la realización de largometrajes por parte de Hayao Miyazaki. A nadie se le escapa que su nombre, guste más o guste menos esto de "elegir" sucesores, es uno de los que más resuenan en la industria de la animación japonesa para tomar su relevo, ya no solo a nivel local, sino con la enorme proyección internacional y el prestigio ganado por el fundador de Studio Ghibli.

The Boy and the Beast ha sido seleccionada para competir en la sección oficial del Festival de Cine de San Sebastián, gracias al cual Mamoru Hosoda visitará España. Por primera vez una película suya será estrenada en cines de forma comercial en nuestro país gracias a A Contracorriente Films, en los próximos meses.

A continuación, puedes ver el documental completo (en japonés) que relato en esta entrada, que se emitió el lunes pasado en Japón. A partir del minuto 21 del vídeo sucede todo lo contado anteriormente, por lo que puedes verlo en imágenes:

Ahora ya sabemos con más exactitud, por boca del propio Mamoru Hosoda, qué pasó en aquel extraño movimiento que podía haberle llevado a Studio Ghibli, y quién sabe qué hubiera pasado de haber salido adelante... el hecho es que Hosoda triunfó por su cuenta, y Hayao Miyazaki obtuvo un gran reconocimiento por El castillo ambulante.

Spirit of the Wind: A Studio Ghibli Tribute Show es la iniciativa en forma de exposición que han sacado adelante este año 3tArts, un grupo que organiza anualmente una muestra temática de trabajos artísticos, de artistas conocidos o no, en torno a un tema. Este verano han decidido hacerle un homenaje a Studio Ghibli.

Del 8 al 29 de agosto, en la Rothick Art Haus de Anaheim, California (EE.UU.) puede visitarse presencialmente.

"Al darse cuenta de que Hayao Miyazaki, co-fundador del gigante de la animación Studio Ghibli, se retiraba, las chicas de 3tArts querían rendirle un homenaje, no sólo a Miyazaki, sino a la totalidad de Studio Ghibli. Sus maravillosas películas han tocado muchos corazones y desde 3tArts querían compartir la belleza de sus films con más de 60 artistas en esta depurada galería.", explican.

Todos los trabajos pueden verse (y comprarse) a través de la tienda online abierta para la ocasión, además de comprobar la autoría de cada una de las obras expuestas. En esta entrada podéis ver una buena muestra de las genialidades aportadas por cada artista.

Una fantástica iniciativa que se une a las muchas muestras de apoyo y homenaje que le están rindiendo, desde todo el mundo, en diferentes formatos, a Hayao Miyazaki desde su retirada, y a Studio Ghibli en general desde que detuvieron su actividad hace un año.

Hace un año, por estas fechas, Studio Ghibli convulsionaba al mundo de la animación con su anuncio de que cesaba temporalmente su actividad por motivos económicos. Esto se unía a la retirada de la realización de largometrajes de Hayao Miyazaki un año antes. Entonces, en Animation Domination High-Def (FOX ADHD) decidieron hacer un vídeo homenaje en el que, aparte de unas simpáticas animaciones, aportaron una bonita y pegadiza canción: "Goodbye, Ghibli".

A los que nos gusta Ghibli se nos quedó grabado ese "Don't go, Ghibli, don't go... Don't go, Ghibli, don't say goodbye...":'-)

Un año después, la situación de Studio Ghibli no parece mejorar.Hayao Miyazaki sigue a lo suyo (realizará con calma un corto con animación CGI exclusivo para el Museo Ghibli, de 10 minutos de duración, para lo que prevee ¡3 años de producción!), Suzuki se retiró de la producción y sigue haciendo su programa de radio; y Takahata camina hacia los 80 años sin dar señales sobre sus intenciones de embarcarse en un nuevo proyecto, o definitivamente retirarse a su ya avanzada edad.

"No te vayas, Ghibli, no digas adiós..."

Hace unos días repasábamos el folleto original japonés para cines de Nausicaä del Valle del Viento, de Hayao Miyazaki. Estos recuerdos únicos de películas que ya hace bastantes años que se estrenaron se convierten ahora en auténticos tesoros, en símbolos de una época. Hoy me gustaría detenerme y mostraros el de Recuerdos del ayer, película de Isao Takahata estrenada en 1991.

Este folleto, que nos muestra Anim'Archive, se adjuntó en la revista Animage del mes de mayo de 1991, es decir, antes del estreno de la película (que fue al mes siguiente, el día 20 de julio). Para los lectores japoneses de entonces era una avanzadilla de lo que tenían por ver. Memorias de una época que, simplemente observándolo, ya evoca emociones y un sabor añejo inconfundible, muy acorde con la propia historia del film, centrado en los recuerdos de la joven Taeko en busca de un rumbo en su vida...

Para disfrutar, sin duda.

El 15 de agosto de 1987 se estrenaba seguramente el trabajo más desconocido y singular de Isao Takahata y Hayao Miyazaki: Yanagawa Horiwari Monogatari (La historia de los canales de Yanagawa), un documental de imagen real financiado por Nibariki, la oficina personal de Miyazaki.

Es tan desconocido, que apenas aparece en las filmografías del director, ni es reseñado en prácticamente ningún sitio. La historia de los canales de Yanagawa es un documental de imagen real (con pequeños fragmentos animados) de casi tres horas de duración (167 minutos) dirigido por Isao Takahata, con música de Michio Mamiya, autor de la banda sonora de La tumba de las luciérnagas (1988).

Financiado con los beneficios de Nausicaä del Valle del Viento (1984), el proyecto comenzó a tomar forma cuando Hayao Miyazaki buscaba hacer una nueva película de animación y visitó la ciudad de Yanagawa, "la ciudad del agua", la Venecia japonesa. Situada en la prefectura de Fukuoka, en la isla de Kyushu, esta localidad de más de 70.000 habitantes que cuenta con un gran castillo y está plagada de canales de agua navegables por todo su territorio, era el lugar perfecto para situar una historia. El director quedó impresionado por la belleza de la ciudad y sus canales, y pensó en un argumento sobre estudiantes de secundaria en Yanagawa.

Miyazaki quería que esa idea fuera dirigida por Isao Takahata en forma de película, ya que había sido productor de Nausicaä. Sin embargo, cuando Takahata visitó Yanagawa para documentarse, terminó interesándose más por la historia de la ciudad, por cómo los habitantes lucharon durante mucho tiempo para preservar los canales de agua de su localidad, una seña de identidad que les supuso grandes esfuerzos, especialmente evitando la contaminación del agua.

El resultado de la gran curiosidad de Takahata por la historia de la ciudad terminó derivando en esta película documental de imagen real que tardó tres años en producirse, y que Hayao Miyazaki financió con su propio dinero en una época donde no las tenían todas consigo sobre su futuro profesional, una vez fundado Studio Ghibli sin demasiadas garantías de éxito.

En el documental, Isao Takahata pone su mirada tranquila sobre las gentes de Yanagawa, analiza su historia y, sobre todo, se fija en la relación entre el hombre y la naturaleza. También se pregunta, para que el espectador reflexione, sobre los beneficios del rápido avance económico y tecnológico frente a los valores del Japón tradicional. La nostalgia está muy presente, como sello de identidad del director, pero también con una impronta que ensalza la tradición frente a la modernidad.

La verdad es que, en esencia, es una película que transmite el mismo espíritu de Studio Ghibli, solo que en un formato muy distinto y trasladado a la realidad. En La historia de los canales de Yanagawa podemos ver varias constantes, evidentes intereses de Takahata y Miyazaki, que luego han trasladado a sus famosas películas de animación.

El 5 de diciembre de 2003 se editó por primera vez en DVD en Japón, bajo el sello de Studio Ghibli. Aún se puede comprar. Tiene audio y subtítulos en inglés. También está editada y remasterizada en Blu-ray, en la colección completa de obras de Takahata.

Es toda una curiosidad, una forma de acercarse a la forma que tiene Isao Takahata de poner una cámara en la realidad y enfocarla. Literalmente. Nunca sabremos cómo hubieran dirigido los fundadores de Studio Ghibli un film de imagen real (ni, probablemente, haga falta), pero aquí podemos ver su única y excepcional aproximación.

Son muchas las cosas que pasan en Generación GHIBLI y sus redes sociales, y puede que te hayas perdido algo: noticias interesantes que no llegan al blog, reseñas y artículos de otros medios, curiosidades ¡y mucho más! Para que no se te escape nada, recopilamos aquí lo mejor que hemos visto (y compartido) en los últimos días :-)

Kira Winter es de esas personas cuya simple descripción ya llama la atención: es una ucraniana que vive en China, algo ya de por sí exótico. Ella, además, es fotógrafa más que cosplayer, aunque se ha puesto delante de la cámara muchas veces. Y, encima, realizó uno de los cosplays más bonitos que se han visto por Internet sobre la película de Hayao Miyazaki El castillo ambulante. No solo por su originalidad, sino por la historia que tiene detrás.

Kira empezó haciendo, casi por casualidad, unas fotos a su abuela con un cosplay de Sophie en enero de 2010. Estas eran, y así las explicaba en su DeviantArt:

"Vale, estábamos aburridas mi abuela y yo, por lo que le pedí que me dejase tomar unas fotos de ella xD Creo que ahora es un una cosplayer activa en nuestra casa... Una cosplayer de 78 años xDPero no me pude resistir a hacerle fotos, porque ella es tan bonita, y su rostro siempre se ve tan amable y alegre... Realmente la quiero ^^ La foto es muy simple, pero creo que no necesita nada más que su mirada", comenta Kira sobre la primera foto que le hizo a su abuela, Anna Vasilyevna, vestida de Sophie.

"Espero que no estéis cansados del cosplay de mi abuela. Pero se la ve tan dulce aquí, que no lo puedo resistir..."

Cuando comprobó el éxito que estaban teniendo sus fotos, lo llevó un poco más allá y Kira se puso delante de la cámara en el papel de Howl, así lo contaba: "Así que a mucha gente le ha gustado el cosplay de mi abuela, incluso me envidian xD También muchos de vosotros os preguntáis por qué Sophie no tiene Howl. Vale, ella sí tiene jajaja. Originalmente hice dos trajes para mí misma, y solo en una semana. La parte más difícil fue la capa de Howl (¿o cómo puedo llamar a esa cosa?), cuando cosí juntos todos los rombos. Pensé que mi cabeza iba a explotar X_X".

No soy costurera y no asistí al entrenamiento manual en la escuela (tenía que dibujar y escribir para el periódico escolar, jeje), así que realmente odio coser trajes. Pero creo que es la única manera de tener un traje de buena calidad y de hacerlo de la manera adecuada, que esté hecho por ti misma..."

Hoy hace justo cuatro años, el 17 de agosto de 2011, es cuando colgaba quizás la imagen más emotiva. Esto decía: "A decir verdad, no sé dónde poner estas fotos (que no son un cosplay 100%), pero creo que es muy lindo. Estaba empaquetando mis cosas ahora (sí, siempre estoy haciendo las maletas...) y me encontré con esta vieja foto de mi abuela y yo. Está tomada en 1989, yo tenía 2 años, y mi abuela 59... Creo que es algo muy dulce que 20 años después estemos todavía tan cerca, amo a mi abuela ; _; Tengo que alejarme de ella, y no sé cuando voy a volver a verla de nuevo. Es realmente triste, creo que voy a llorar".

Os deseo a todos poder ver a vuestros familiares siempre felices y saludables."

Un gran mensaje de Kira, y un cosplay con una entrañable historia :-)